La poésie du Moyen Âge au XVIIIe siècle

A la fin de la Renaissance, apparaît un style caractérisé par un souci du détail et par la démesure qui se manifeste dans tous les arts. Le terme baroque, du portugais « barroco » signifiant « perle irrégulière », servira quelques siècles plus tard à désigner la production artistique et littéraire de cette première moitié de siècle.

La poésie baroque refuse les formes fixes, elle utilise métaphores, personnifications et comparaisons pour traduire la démesure, l’imaginaire et le goût des contrastes. Les poètes expriment leurs sentiments face à la nature, l’amour et la mort, et composent des poèmes lyriques à la fois heureux et mélancoliques.

La poésie baroque peut aussi être une poésie à vocation critique qui dénonce les tares de l’époque. Cependant, l’importance et le goût pour le genre poétique devient moindre lorsque s’impose le classicisme, même si la plupart des pièces classiques traduisent une grande maîtrise poétique. Parmi les poètes baroques les plus célèbres, on peut citer Jean-Baptiste Chassignet, François de Malherbe, Pierre de Marboeuf, Tristan L'Hermite, Charles de Montausier, Saint-Amand...

Parallèlement au mouvement humaniste, le XVIe voit un autre courant se dessiner vers le milieu du siècle. Il s’agit d’un courant poétique réunissant sept poètes français parmi lesquels Ronsard, Du Bellay, Jacques Peletier du Mans (remplacé à sa mort par Jean Dorat), La Péruse, Rémi Belleau, Jean-Antoine de Baïf et Etienne Jodelle.

Initialement appelé « La Brigade », le groupe choisit le nom de la constellation inspiré des poètes d’Alexandrie au IIIe siècle. A l’image des poètes italiens, Dante, Pétrarque et Boccace, qui ont choisi la langue vulgaire pour composer, les poètes de la Pléiade veulent renouveler la poésie française en rejetant la poésie médiévale.

S’inspirant des auteurs italiens dont Pétrarque, et des grands auteurs antiques, ils veulent offrir à la langue française des œuvres dignes des Grecs et des Latins. Ils veulent faire du français une langue littéraire et savante, et imposent une littérature nationale. Leurs thèmes privilégiés sont l’amour, la nature, la grandeur de l’univers, la mort, la fuite du temps et la mythologie. Ils veulent célébrer la figure du poète et de ses différentes muses au travers du sonnet, de l’hymne et de l'ode.

Le propre de la poésie a toujours été de chanter l’amour. Le lyrisme est le registre privilégié de l’expression poétique des sentiments de l’auteur.

Dans la mythologie, Orphée, considéré comme le premier des poètes, chantait en s’accompagnant d’une lyre. Le terme lyrisme s’étend ensuite à la poésie médiévale et de la Renaissance.

Le lyrisme s’oppose aux registres épique et dramatique dans la mesure où il développe des thèmes comme l’amour, les plaisirs de la vie et les tourments de l’âme. De plus, il permet l’expression des sentiments et des émotions, des regrets, de la nostalgie et du bonheur.

Certains indices d’écriture sont propres au lyrisme :

a. l’omniprésence du champ lexical de l’affectivité (tristesse, douceur, solitude, amour, chagrin, pleurs, douleurs…) ;

b. les interjections souvent traduites par des cris de douleur, de désespoir, de nostalgie ;

c. la structure des phrases qui reflète la sensibilité.

Dans certains cas, la fluidité des phrases et leur disposition servent à exprimer la souffrance ; les figures rhétoriques, et plus particulièrement les métaphores, les comparaisons et les allégories, peuvent refléter les tourments de l’âme.

Cependant, le lyrisme n’est pas un registre exclusivement poétique, il est aussi présent dans d'autres genres tels que le roman, le théâtre ou le genre autobiographique. Le Pétrarquisme naît de l’œuvre de Pétrarque. Il Canzoniere, recueil composé essentiellement de sonnets, considéré comme le modèle de la poésie amoureuse italienne, et qui sera diffusé dans toute l’Europe, relève du lyrisme.

L’auteur y évoque sa passion pour Laure qu’il rencontre à Avignon en 1327. Il célèbre la femme aimée en l’idéalisant. Le recueil apparaît comme l’itinéraire d’un amant et d’un poète qui mêle l’inspiration antique à l’amour, à la réflexion sur le temps et au souci de gloire.

Les poètes de la Renaissance, et plus particulièrement les poètes de la Pléiade, en adopteront la forme et le thème de l’idéalisation de l’amour pour imposer une véritable renaissance du vers français.

Le rondeau et la ballade sont, avec le sonnet, deux célèbres formes fixes.

1. Le rondeau

Il est à l'origine un texte chanté grâce auquel on dansait « en rond ». Son origine remonte au XIIIe siècle. Le rondeau se caractérise par la présence d'un refrain et la répétition de sons identiques. Il est composé la plupart du temps en octosyllabes, parfois en décasyllabes. Il ne comporte que deux rimes, et peut se présenter de différentes façons : soit deux quintils encadrant un tercet dont le schéma est le suivant : AABBA/AAB/AABBA, avec un refrain composé de la moitié du premier vers du poème ; soit deux quatrains suivis d'un sizain, avec un refrain qui reprend, aux vers 7 et 8, les vers 1 et 2.

2. La ballade

Le terme ballade vient du provençal « balar » qui signifie « danser ». Il s'agit également d'un poème qui, à l'origine, était accompagné de musique. La ballade se présente sous la forme d'un poème composé de trois strophes dont le nombre de vers est égal au nombre de syllabes que compte chaque vers, suivies d'un refrain (une demi-strophe appelée « envoi »). L'envoi commence toujours par une apostrophe adressée au destinataire du poème. Le refrain est composé d'un même vers que l'on retrouve à la fin de chaque strophe, y compris dans l'envoi. La ballade ne comporte que trois rimes.

1. Afin d'étudier la richesse des rimes, on distingue :

a. les rimes pauvres qui n'ont qu'un seul son en commun $\Rightarrow$ « demain/matin »

b. les rimes suffisantes qui ont deux sons en commun $\Rightarrow$ « bleu/pleut »

c. les rimes riches qui ont trois sons et plus en commun $\Rightarrow$ « narine/poitrine ».

2. Concernant la disposition des rimes, on différencie :

a. les rimes féminines qui se terminent par un « e » muet $\Rightarrow$ « rivière/fière »

b. les rimes masculines qui ne se terminent pas par un « e » muet $\Rightarrow$ « haillons/rayons »

c. les rimes plates (appelées aussi rimes suivies) répondant au schéma AABB

d. les rimes croisées répondant au schéma ABAB

e. les rimes embrassées répondant au schéma ABBA.

Le rythme se définit dans un poème en vers ou dans un poème en prose selon les accents toniques placés sur la dernière syllabe d'un mot. Le rythme est toujours à mettre en relation avec le sens du texte.

On distingue deux types d'accents :

a. l'accent tonique situé sur la dernière syllabe d'un mot

b. l'accent métrique situé à la fin de l'hémistiche (milieu d'un vers de huit syllabes au moins).

En matière de rythme, on distingue aussi :

a. le rythme binaire lorsque le vers présente deux mesures identiques

b. le rythme ternaire lorsque le vers présente trois mesures identiques. 

« Je fais souvent/ce rêve étrange et pénétrant (rythme ternaire) D'une femme inconnue// et que j'aime/ et qui m'aime (rythme binaire) » (Verlaine).

c. Lorsque le vers présente des mesures de plus en plus longues, il s'agit d'un rythme croissant : 

« Ô rage !/ Ô désespoir !/Ô vieillesse ennemie ! » (Corneille).

Le rythme peut aussi dépendre de la disposition des vers et des phrases. On parle d'enjambement lorsque la phrase se poursuit au vers suivant et crée un effet de continuité. On parle de rejet lorsqu'un élément de la phrase est rejeté au vers suivant de façon à être mis en relief. On parle de contre-rejet lorsqu'un élément de la phrase commence à la fin d'un vers pour se développer au vers suivant.